Hola a todos,

Aquí está mi sociograma:

Entrevista galería de arte Avima en Denia:

http://www.avima.com.es/

¿Cuántos años existe la galería Avima de Denia?

Theos: Se fundó hace 39 años.

¿Quién lo lleva?

Es la nieta de Jaime Costa Tur, Mari Carmen Costa

¿Cómo le va?

Vamos tirando, con mucho amor al arte. Afortunadamente no tenemos que pagar alquiler, si no, ería imposible.

¿Qué artistas lleváis?

Artistas de la familia. El más importante es Jaime Costa, ya fallecido, Pity, Teos, Chype.

¿Qué tipo de arte exponéis?

Sobre todo, paisaje de la cota mediterráneas de Denia, Jávea, etc. aine Costa fue un pintor costumbrista. Es pintura que las personas compran para decorar sus hogares en esta zona.

¿y los precios?

Son precios muy asequibles. Se puede comprar cuadros a partir de 150€. Los de Costa Tur son los más caros, de hasta 12.000€. Vamos, él tenía un importante coleccionista en Suiza que le compró más de cien cuadros, que, creo, ya ha fallecido. Y vinieron unas turistas de Suiza que decían que los precios aquí eran muy bajos en comparación con los precios en Suiza.

Durante el desarrollo del proyecto, la exploración del contexto y sus correlaciones ha sido fundamental para ajustar y redefinir su enfoque en varias fases. Cada etapa ha planteado desafíos específicos y oportunidades que han permitido refinar los elementos culturales y simbólicos, asegurar una interpretación respetuosa y encontrar vías estratégicas para la exhibición del proyecto. En este proceso, el análisis de las relaciones de posibilidad y tensión ha sido crucial, revelando tanto el potencial del proyecto como las barreras que enfrenta.

Fase de Definición y Planificación

La continua investigación del estilo Ukiyo-e y la percepción nacional japonesa a cerca del ciclo mentrual a lo largo de estas semanas me ha permitido establecer una base sólida de estudio y validación cultural. De esta forma no solo he conseguido visualizar el proyecto de forma satisfactoria, sino que también esta exploración ha otorgado a la idea de proyecto un fundamento conceptual que podría resonar en distintos contextos culturales aunque mayormente feministas. La participación de instituciones culturales, tales como Jelly, me ha ayudado a identificar espacios de exhibición abiertos a abordar un tema tan sensible como la menstruación. Este apoyo institucional no solo representa una posibilidad de acogida, sino que también facilita la legitimación del proyecto, otorgándome un espacio dentro del arte contemporáneo y el debate social.

En este punto, la institución benéfica Jelly, ubicada en Reading, se interesó en el proyecto y confirmó que lo exhibiría durante dos semanas en enero de 2025. Además de ofrecer un espacio de exhibición, Jelly brindó una residencia de dos semanas para trabajar en el desarrollo del proyecto dentro de sus instalaciones. Esta oportunidad beneficiará enormemente el proceso, proporcionando un ambiente de trabajo creativo y acceso a recursos específicos que facilitarán la materialización de la obra. Jelly también sugirió que, al considerar la problemática de la pobreza menstrual en la comunidad, sería significativo incorporar materiales reciclados o naturales para la estructura de la luna, como tela de algodón, que en la antigüedad las mujeres japonesas empleaban para absorber la pérdida de sangre. Este cambio en los materiales no solo contribuye a un mensaje más inclusivo y sustentable, sino que también enriquece la dimensión histórica de la obra, al conectar prácticas tradicionales con temas actuales de sostenibilidad y salud.

Sin embargo, esta fase también reveló varias tensiones y conflictos. El riesgo de apropiación cultural surgió como una preocupación clave, ya que el uso de símbolos japoneses tradicionales podría interpretarse como una explotación superficial si no se maneja con sensibilidad. Para contrarrestar este riesgo, es necesario profundizar en el contexto cultural japonés y en cómo estos símbolos podrían resignificarse sin perder su autenticidad. Además, he podido anticipar posibles rechazos de ciertas instituciones culturales debido al tema tabú de la menstruación, un obstáculo que subraya la necesidad de identificar espacios dispuestos a apoyar el proyecto sin censurarlo. Finalmente, la posible reacción del público, que podría percibir la menstruación como un tema inapropiado, revela la importancia de una estrategia de comunicación clara y efectiva para contextualizar la obra y reducir posibles malinterpretaciones.

Los artefactos generados en esta fase, como el concepto visual de la “Luna Menstrual” y los bocetos en estilo Ukiyo-e, me permiten visualizar las intersecciones entre el simbolismo cultural y el enfoque contemporáneo. Asimismo, las preguntas abiertas – tales como cómo balancear la autenticidad cultural con una interpretación moderna y qué materiales resultan significativos – me sirven como guía para definir las siguientes fases.

Fase de Realización y Producción

En la fase de realización y producción pretendo llevar las ideas iniciales al terreno práctico, donde surgirán nuevas relaciones y desafíos. Uno de los avances significativos que pretendo llevar a cabo es encontrar un forma efectiva de obtención de materiales reciclados y/o de origen natural. Posiblemente no encuentre los materiales naturales exactos que se utilizaban en el antiguo Japón pero el hecho de utilizar materiales originales del Reino Unido proporcionaría una conexión entre naciones y daría un significado de igualdad humana a pesar de los orígenes raciales.

Para la elaboración de la Luna se utilizará un esqueleto realizado con madera natural encontrada (ramas, troncos, etc), este esqueleto circular será cubierto por los materiales naturales o reciclados que simbolizan los materiales absorbentes utilizados por las mujeres del pasado.

Para la realización de las 12 pinturas Ukiyo-e se utilizará papel de acuarela de 300gr de grosor y acuarelas procedentes de Japón. En ningún momento utilizaré las técnicas propias para crear la xenografía necesaria para la creacion de la impresiones debido a mi inexperiencia con la práctica y por respeto a la cultura japonesa. Estas pinturas representarán el estilo Ukiyo-e con un “twist” contemporáneo pero no serán presentadas como tal.

El uso de una estética tradicional como el Ukiyo-e para abordar temas tabú podría parecer contradictorio para algunos, lo cual destaca la necesidad de explicar el propósito de esta elección estilística en el contexto del proyecto.

Fase de Activación y Difusión

La fase de activación y difusión del proyecto será clave para proyectar el mensaje de la obra más allá del espacio de exhibición, buscando alcanzar y conectar emocionalmente con un público amplio y diverso. La colaboración con medios de comunicación y redes sociales facilitará la visibilización de la obra, permitiendo que su mensaje sea discutido en plataformas públicas. Las actividades complementarias, como charlas y talleres, se convertirán en espacios valiosos para contextualizar el simbolismo de la obra y fomentar un diálogo que permita al público interpretar la obra desde una perspectiva informada y empática.

La activación en redes sociales también implica ciertos riesgos. Existe la posibilidad de que algunos medios sensacionalistas trivialicen el mensaje o que las redes sociales se conviertan en un espacio de controversia, donde opiniones polarizadas puedan obstaculizar el impacto positivo del proyecto. Asimismo, la percepción de la obra por sectores conservadores podría generar rechazo y, en algunos casos, campañas en contra de la obra. Por lo tanto, esta fase requiere una estrategia de crisis bien definida para responder de manera efectiva y proteger el significado original de la obra.

Los artefactos generados en esta fase, como las fotografías y videos de la instalación y el material promocional, serán herramientas esenciales para difundir el proyecto y guiar la interpretación pública. Las preguntas abiertas sobre cómo evitar que la obra sea trivializada y cómo anticiparse a posibles controversias me guiarán en el desarrollo de estrategias de comunicación para preservar la integridad del proyecto.

Reflexiones Finales

A través del estudio de estas fases, la exploración del contexto ha transformado el desarrollo del proyecto, revelando tanto oportunidades de colaboración como conflictos potenciales que han sido y serán abordados con estrategias adaptativas. La interacción entre autenticidad cultural, simbolismo menstrual y estética tradicional me exigirá encontrar un equilibrio delicado para asegurar una representación respetuosa y un impacto positivo. La participación de Jelly, sin lugar a dudas, ha añadido un enfoque de responsabilidad social a la obra, integrando la problemática de la pobreza menstrual y promoviendo el uso de materiales sustentables que refuercen el mensaje de la obra. Este proceso de ajuste continuo demuestra cómo la planificación y ejecución de un proyecto artístico pueden enriquecerse profundamente mediante una exploración exhaustiva del contexto y sus posibles correlaciones.

Haz click en el siguiente link para poder visualizar mejor el sociograma

https://drive.google.com/drive/folders/1InSunC8yqvBEWM3xMmxHGJYS7knJS_rJ?usp=share_link

La Feria de las Flores (2015) Medellín:

Este proyecto artístico me resulta especialmente interesante por la conexión entre, por una parte, de los cuadros de Fernando Botero, que es un artista famoso por pintar personas sumamente gordas, colores suaves, actitudes y gestos muy costumbristas. Todo con un aire de un mundo onírico y un tanto poco real. Botero no es un artista especialmente crítico, sino todo lo contrario, es muy naíf.

Y, la conexión, por otra parte, con las vivencias reales y muy duras de las cuatro guías, mujeres menores de edad víctimas de explotación sexual.

Las cuatro guías explicaban, a través de sus propias vivencias, cómo la posición social de la mujer tradicional en Colombia facilita estas estructuras de explotación sexual en base a las imágenes de Botero.

Aquí el contexto de las imágenes cambia radicalmente, a través de esta conexión y lo que se supone que serían bonitas pinturas superficiales y de cuento apto para niños, se convierte en un abismo negro del alma humano cruel por medio de la explotación sexual de los miembros más vulnerables de la sociedad: mujeres menores de edad.

La superficie inocente trae una sombra inesperada consigo. Las figuras planas de aspecto inofensivo, de repente, se abren a un significado siniestro apenas tapado por una hipocresía burguesa.

Es como el comienzo de la película “Blue Velvet” de David Lynch donde en una mañana idílica de un pueblo americano lleno de flores y colores saturadas, los ciudadanos sonrientes, los chalés individuales con su césped verde y los mayores regando el jardín cuando, de repente, algo va mal al enredarse la manguera de agua y el mayor cae al suelo y se retuerce en convulsiones y espasmos. La cámara baja hacia el césped y se adentra en la tierra donde aparece apenas unos centímetros más abajo un mar de cucarachas pululando:

https://youtu.be/TwuzI8Y0uW0?si=72OvvDigWGKqvM16

Se crea el efecto artístico inesperado: En un principio los espectadores entran en un museo para ver cuadros de Fernando Botero; un marco museístico típico, deambulan por las salas grandes, luminosas y en silencio para que los cuadros les dejan sus impresiones. Las visitas guiadas, se supone, ahondan en las expectativas de sensaciones agradables al aportar más información sobre los cuadros y su creador.

Aquí, de repente, todo se tuerce al explicar las guías la cruda realidad de la sociedad colombiana machista y depredadora de mujeres abusadas. Los espectadores se encuentran inmediatamente en un contexto totalmente diferente, de crítica social cruda y de la, ni siquiera, se pueden desviar ya que la autenticidad del relato de las guías que son las propias mujeres sexualmente explotadas y abusadas no les dejan escapatoria. La ficción aparentemente bonita y superficial de los cuadros se relaciona con la realidad triste de la sociedad y adquiere una profundidad inesperada, nada bonita, pero aclaratoria de la condición humana con todas sus bajezas.

Aquí es importante la colaboración de varios agentes del mudo artístico:

La artista que fue invitada por el museo para trabajar sobre el tema de la violencia sobre las mujeres. Se supone que la financiación también se basó en la convocatoria del museo para trabajar el tema.

Muy importante fue la colaboración de otros agentes ajeos al mundo de arte, el primer contacto con colectivos de activistas en favor de la protección de las niñas contra el abuso sexual, los profesionales cuidadores de las niñas que ayudaron a elegir las cuatro guías.

Obviamente las cuatro mujeres que colaboraban como guías que son las auténticas protagonistas.

Muy importante es la documentación del proyecto y el video ya que esta acción se inscribe en la categoría del arte efímero. O sea, cuando acaban las visitas guiadas se acabó la obra; aunque, ciertamente no en la memoria de los espectadores que habían participado en las visitas guiadas, pero este tipo de acciones no tiene acceso al gran público a menos que se reproduzca la documentación elaborada.

Se podría discutir, si esta acción es una obra de arte en sí, o, más bien, una acción de reivindicación de política social no artístico (como pueden ser las acciones de los grupos en favor de la protección medioambiental que arrojan, entre otras cosas, sopa de patata a los cristales de los cuadros expuestos en los museos). Pero, pienso que dado el marco museístico de la acción y los cuadros de Botero como vehículo del mensaje se podría revindicar como obra de arte en sí. Ciertamente, los límites son borrosos.

Aquí se ha conseguido un doble efecto pedagógico: por una parte, los espectadores habrán aprendido una lección importante sobre la hipocresía de una sociedad aparentemente de moral burguesa y, por otra, el efecto terapéutico de las protagonistas que lograron librarse de sus complejos inculcados por los abusos sufridos.

Mi Statement:

Me interesa expresar en imágenes el nexo que está entremedio de las cosas, la atención al sentido invisible entre todo lo visible. No tener miedo a lo oscuro, a los que pueda surgir desde el otro lado de la conciencia ya que, inevitablemente, somos seres complejos.

Biografía:

De profesión economista y abogado, he estudiado licenciaturas de económicas, derecho, comunicación y ahora arte. Vivo entre Valencia, Oliva, Denia y Jávea en la Costa Blanca.

Proyecto que realizar:

Quiero elaborar una serie de pinturas que expresan la complejidad de la personalidad humana y su contexto para ser expuesta en un lugar público (galería, exposición, etc.). Como referente se puede mencionar al pintor Lucian Freud y sus retratos psicológicos:

https://es.wikipedia.org/wiki/Lucian_Freud

También Francis Bacon y sus rostros deformados:

https://es.wikipedia.org/wiki/Francis_Bacon_(pintor)

El proyecto actual es una continuación de las asignaturas de Proyecto I:

Donde intenté entrar en la parte de la “sombra” mediante autorretratos a partir de fotografías en blanco y negro:

Y de Proyecto II:

Donde intenté extrapolar el concepto a otras figuras humanas:

Ahora intentaré seguir para preparar en el proyecto III un porfolio apto para presentarlo a agentes externos para una exposición.

Saludos a todos

Jens

La visión de mi arte

Arte es libertad. Libertad es la posibilidad de dar a la propia vida el rumbo que cada uno desea. Esta libertad es un continuo trabajo (work in progress). Seguir un rumbo significa moverse en un contexto. El entono delimita las posibles vías del rumbo. Para ello es necesario la comunicación con los demás y la sociedad que nos rodea. Arte es la continuación de la comunicación por otros medios.

El espectador espera al mensaje. El artista abre un espacio. Se hace un silencio. Empieza el espectáculo: el escritor llena las hojas de un libro que el lector lee en un estado ensimismado en cualquier lugar; el pintor pinta sobre un lienzo blanco y expone en una galería o un museo que son espacios de silencio donde deambulan los visitantes; en un teatro o cine se apaga la luz, el público sentado se calla, se abre el telón y empieza un “esculpir en el tiempo” (según Andrei Tarkovsky); ante un concierto el público espera que el espacio se llene de sonidos con sentido, etc. El fenómeno artístico es una comprensión poética de la realidad y un acto de voluntad de conciencia entre artista y espectador.

Pero, para esto hay que saber qué es lo que queremos comunicar mediante el arte. Tenemos que conocernos a nosotros mismos en profundidad para comprender qué es la poesía y por qué (¡demonios!) lo tenemos mentido en nuestra conciencia. Aquí recurro a la obra de un psiquiatra inglés que se llama Iain McGilchrist y su obra “The Master and his Emmissary” (Yale University Press 2009:  https://en.wikipedia.org/wiki/The_Master_and_His_Emissary ).

En esta obra explica como los dos hemisferios de nuestro cerebro nos proporcionan dos visiones diferentes del mundo, como dos mapas distintos de la realidad basados en dos necesidades vitales diferentes para sobrevivir en un entorno potencialmente hostil. Los millones de años de evolución biológica no nos han proporcionado las habilidades para comprender “la verdad” o “la realidad”, sino únicamente para sobrevivir y seguir adelante. Aquí hay un video que resume muy bien sus ideas (en inglés):

https://youtu.be/dFs9WO2B8uI?si=-0kTfNxfusN3YE1O

Estamos acostumbrados de percibir el mundo de forma fragmentado a fin de perseguir metas concretas de forma explícita (comida, dinero, sexo, etc.), pero no vemos la imagen completa de nuestra existencia. Esto es el mapa del mundo que nos proporciona el hemisferio izquierdo de nuestro cerebro según Iain McGlchrist. El mensaje artístico es mostrar la continuidad entre los fragmentos que da el contexto de la vida diaria y es la “otra parte” de nuestra conciencia que solemos olvidar ya que es implícito y carece de voz. Esto es la visión del mundo del hemisferio derecho de nuestro cerebro según el autor. La poesía no es otra cosa que mostrar el sentido oculto entre fragmentos aparentemente aislados pero que forman parte de un único mundo y que es el equilibrio entre los dos hemisferios de nuestro cerebro.
Para ello hay que conocerse a si mismo. Como artista hay que entrar en profundidad en la propia psique y, según el psiquiatra suizo Carl Jung, “trabajar la sombra”. Aquí hay una buena introducción en su pensamiento (en inglés):

https://youtu.be/RAhH-24Dcho?si=tJ6TLsZnvnVc76un

Hay que ser consciente de que la propia personalidad siempre incluye las partes negativas del alma. Sin reconocer las propias sombras nos volvemos neuróticos y perdemos profundidad en nuestra personalidad. Pero, por otra parte, reconociendo la complejidad de la propia personalidad da a nuestro discurso mayor profundidad.

¿De dónde vienen las ideas para el discurso?

Según David Lynch, las ideas no se crean, sino se encuentran. La idea completa está en otra habitación invisible “por ahí” y alguien tira pequeños fragmentos hacia nosotros que uno encuentra por el camino. Hay infinidad de ideas dispersas ahí afuera pero hay que saber cómo encontrarlas.

David Lynch”¿De dónde vienen las ideas?” (en inglés):

https://youtu.be/Fxr-7O1Bfxg?si=RXrKmM9aMJzmQTt4

Mi visión del mundo del arte se basa es estas reflexiones psicológicas y el discurso se basa en esta “otra parte” oculta y, muchas veces, basada en la sombra de nuestra alma que quisiéramos olvidar si fuese posible.
Como referentes artísticos puedo mencionar, entre otros, en el cine:
Andrey Tarkowski (Stalker), David Lynch (Terciopelo Azul), Werner Herzog (El Cielo Sobre Berlín), etc.

Literatura: Juan Carlos Onetti (La Vida Breve y todos sus cuentos), Julio Cortázar (Rayuela y todos sus cuentos), etc.

En música me gusta el Jazz de John Coltrane, Miles Davis, etc. también otra música como ejemplo, Tom Waits “God’s Away on Business”:

https://youtu.be/W9mhsW5aWJM?si=2F4n-qQHgfimz5qz

o, Tom Waits “Hell Broke Luce”:

https://youtu.be/0Fju9o8BVJ8?si=dyPM-tnzPKqjbPU2

Pintura: Ignacio Pinazo, Goya, el Graco, Equipo Crónica, etc. y muchos más. En general también todas las vanguardias, el arte conceptual, pero también el arte clásico, siempre y cuando expresa esta “otra parte” de la psique humana.

Jens

Hola compañeros y profesores,

Aquí os dejo el link a mi video de presentación y el pdf con la dirección que mi trayectoria artística está  tomando.

https://youtu.be/Yk0FwkSG84w?si=Fzxr532DxEm6vxya

Un saludo,

Catalina

¡Hola! Me llamo Nerea, tengo 23 años y soy de Tenerife.

A continuación podrán ver mi presentación completa junto con un pequeño resumen de mi trayectoria artística.

Referentes artísticos

Dentro de los referentes que me han ayudado a desarrollar mi obra y a producir y participar en los diferentes proyectos artísticos en los que sido parte durante los últimos años, podemos encontrar una gran variedad de formatos.

Empezando por los referentes que primero han afectado a mi visión, debo mencionar en especial 2 libros que me marcaron desde muy pequeña: “Leyendas de Hadas” (2006), de la editorial LIBSA, con textos de Alejandra Ramírez Zarzuela e ilustraciones de Sangra Aguilar Latorre y “Hadas. La guía mágica del Reino Encantado” (2007), de la editorial Everest, de Alison Maloney, con ilustraciones de Patricia Moffett. Ambos libros ilustrados sobre criaturas mitológicas: hadas. Este referente, y otros libros sobre hadas que también sigo teniendo en casa, siempre ha marcado la dirección de muchos de mis proyectos pero se puede ver especialmente en el más reciente, “Poesía Escondida”.

A continuación, le siguen en la misma línea, las películas de Studio Ghibli; de las cuales cabe destacar “La Princesa Mononoke”, que me obsesionaba tanto en la infancia que llegaba a verla dos veces seguidas. Fue gracias a las películas de este estudio de animación que me adentré en el mundo de la animación japonesa, y son clásicos como estas películas, o como “Evangelion” o “Akira” los que han marcado un claro estilo en mis ilustraciones. Cosa que se ve cláramente reflejada en las aportaciones a los proyectos de Ilustradoras & Ilustradas, o a los fanzines en los que he participado. 

Por supuesto, ligado a la animación japonesa, también tengo mucha influencia del manga japonés. Uno que ha influido mucho en mi trayectoria en los últimos años es “Atelier of Witch Hat”, de Kamome Shirahama. He buscado inspirarme en las composiciones maravillosas de esta artista, que además de dibujar manga, ha trabajado en incontables ocasiones como ilustradora para grandes del cómic como DC o Marvel. 

Fue por el manga que siempre quise realizar algún trabajo de cómic, y este sueño se hizo realidad al poder trabajar en la novela gráfica de “Cayetano”.

Cambiando un poco el rumbo hacia occidente, otros referentes que han influido en mi trayectoria y que, de nuevo, están relacionados con la fantasía, son los libros de Laura Gallego y las ilustraciones de Victoria Francés. Laura Gallego es una escritora española bastante popular, que escribe sobretodo libros de fantasía juvenil. Tiene muchos libros que considero obras de arte y que han influido en mis gustos y las temáticas de mis ilustraciones, como “Memorias de Idhun”, “Alas de fuego” o “Finis mundi”. Recuerdo leer “Finis mundi” en la biblioteca de mi colegio, quedarme a mitad de libro cuando terminó el curso, y tener que continuar al año siguiente.

Victoria Francés, por otro lado, es una ilustradora que lleva inspirando mi trabajo desde muy pequeña. Sus ilustraciones de fantasía con un toque gótico siempre me han fascinado, y actualmente, que estoy intentando reconectar con mis gustos y mis proyectos personales artísticos, he confirmado que sin duda es uno de los referentes que me marcan. El proyecto que tengo pensado desarrollar durante Proyecto III bebe mucho de este referente.

Y es que el tema de la fantasía gótica, los vampiros, la noche, el metal gótico… es uno de los temas que siempre me han fascinado y con el que he estado reconectando. No por nada una de mis bandas favoritas de todos los tiempos ha sido Evanescence, y uno de los videoclips que más me han marcado ha sido el de “Lithium”, el cual tiene un estilo realmente similar al de las ilustraciones de Victoria Frances.

Aunque me gustan muchísimos artistas, libros, películas, etc… estos referentes creo que son los que me han afectado de una manera más directa y profunda en los proyectos que he realizado y en mi obra y trayectoria artística.